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老妇人皱起眉头，说：“哦！原来你们是当局一伙的！”
衣红说：“是的，但是请放心，我们不会干涉你们的自由。我只是好奇，你既然这么崇尚自由，为什么不到自然环境去，却宁愿窝在这里？”
老妇人对他们已起了疑心，问道：“你们到底来做什么？”
衣红说：“我们要到‘艺术人世界’找一个人。”
老妇人不再说话，转身离去。
汤姆等老妇人走远了，才悄悄地说：“这个女人以前很有名，人称珠宝大王！”
“珠宝大王？是不是黛薇夫人？”左非右惊讶地说。
“好像是吧，我们只叫她夫人。”汤姆说。
“嗄！是她！”左非右脸上闪过一丝光彩：“黛薇夫人在二○年代风靡了全球，她拥有全世界百分之二十的钻石、珠宝，连锁珠宝店有一百多家。仅仅在曼哈顿的百老汇大道上，就有十几家分店，从加工厂到门市部，应有尽有。”
“珠宝有什么用？只是一种光学现象而已！现在利用分子排列技术，什么珠宝不能大量生产？而且比自然界的更精美！”衣红一向没把珠宝放在眼里。
“对你我算不上什么，可是对黛薇夫人就不一样了，她的王朝几乎在一夕之间被摧毁了，她一定把电脑恨入骨髓。”
“我们快去‘艺术人世界’吧！”文祥知道一扯下去又是没完没了。
于是汤姆继续带路，四人随后，在他们身后还跟了几个好奇的闲人。
穿过了几处坍塌的墙垣，再钻进一个洞口，眼前豁然光明大放，原来这里吊着一排排典雅的煤气灯。汤姆解释说，最初当局只支援有限的电力，后来有人发现地下有大量沼气，特意收集了来点灯，但只供部分人使用。
这里是一个大厅，约有十亩的空间，高度只有两公尺多一点。四处围着齐头的矮帷，将大厅分割成好几区。墙上挂满了图画，一地的颜料、画布、刷子散布，有人埋首作画，有人在幻境休憩，也有些男男女女扭成一团，正效法于飞之乐。
艺术实际上是人心探索的最高境界，可分为文学、音乐及美术三大类，分别代表人类的思维心智、音响感应及视觉认知等范畴。美术这一项又可概分为建筑、雕塑及绘画三大领域，这个“艺术人世界”，实际上是一个绘画美术馆，想要在黑暗中描摹出光明。
新时代来临后，人类对智慧的认知更进了一层，美术的方向又有了大幅度的变革。根据智慧学的定义？，“美感”不过是一种生存的策略，迫使感觉作最有效的选择。人是一种适应力很强的生命体，适应的结果便是能够平安的生存。因此，举凡利于平安生存的各个因素，都是美感的必要条件，让人产生亲切感，逐步诱导。
生存的必要条件，一是刺激的某种性质有利于感官的辨识，比如静中的动感、动中之静态，或是对比、规律及新奇性等变化，都可称为美；其次是习惯性，所谓适应的环境就是一再重复、且必然具备的条件，有利于意识认知者；第三是亲和经验，这一点纯属个人主观，完全无法以理性与他人沟通。以上三个条件，共同形成了美感。
近代由于摄影术的兴起，美术工作者受到极大的挑战。尤其在工业文明的环境中，一切以商业利益为导向，商业首重行销，行销则需依赖代理人制度。于是原本单纯的美术作品，沦为行销人员生财的资产。他们任意包装，冠以各种“时髦”的代名词，作践艺术，误导群众，但却滋补繁荣了市场。
人们朝夕受到媒体广告的轰炸，遇到各种“新奇”的挑逗，早已习惯了那些时髦的代名词。再加上对名、利的亲和性，大众完全无视于他们所面对的作品，只满足于那种“代理性的美感”。久而久之，钞票游戏便主导了美术的庙堂。
美术的发展可概分为四个阶段，两三千年前是原始时期，那时的美术是纯真的、自然的，没有技术的渲染，也没有价值观的混淆。这时期的作品，多半表现在山洞石壁、崖面以及陶瓷作品的釉彩上。
随着时光的流转，人类进入文明社会，君主、宗教立刻看中了美术影响视觉的价值，美术品成为一种歌功颂德、踵事增华的虚饰。在古典时期，美术沦为高尚的奴隶几达千年。举凡帝王的陵墓、教堂的装潢等，均是美术堆砌成的殿堂。这个时期是以中世纪的基督文明与希腊、拜占庭、查里曼、鄂图、罗马美术为主。
到了十四世纪，文艺复兴掀起了人类自觉的新页。美术家扪心自问，为什么一定要为帝王或贵族服务？为什么美术所表现的，尽是些上帝、天使等不食人间烟火的题材？当美术家扬弃了贵族及教堂时，小市民也觉醒了，他们受赐于中产阶级的兴起，他们也需要装饰，成为画家的新衣食父母。
当然，最有力量的还是国王、贵族与教会。这时期的大师有达文西、米开朗基罗、拉斐尔、罗伦杰提、提香、鲁本斯、哈尔斯、林布兰等人。他们的技术已达炉火纯青，他们的境界也近乎神只，后学只能望油彩而膜拜。
随着工业革命的到来，物质文明君临大地，时代在蒸气火车拖曳下，盲目的向前飞奔急驰。人们习见的恒定价值观破灭了，新生事物层出不穷，时间空间也无尽地扩展。美术家慑于摄影术的侵袭，他们投入新的、与摄影反向的表现方式，最后终于遁入虚无！
无人能在文艺复兴时期的大师面前抬起头来，除非是另起炉灶（这又是东方与西方最大的不同，古代东方人多不求私利，不计较个人闻达。所以中国古代常有“伪书”、“伪画”出现，让“文化考古”、“艺术监定”等专家学者大伤脑筋）。于是“新古典主义”诞生了，他们不屑于描绘诸如衣褶裙摆等细节。“浪漫主义”随之而起，他们进一步要求回归自然，反对矫饰做作，一任感情流露，哥雅、安格尔、德拉克鲁瓦、杜米埃等之作品均如此。继之，“写实主义”又举起了反对浪漫主义的旗帜，他们坚持只画眼睛看得到的事物。写实主义的代表人物库贝尔就曾说过：“我不能画天使，因为我没见过。”
然而，画家毕竟要发挥个人的想像力，马内、莫内、雷诺瓦、狄加斯、惠斯勒等人又开创了“印象主义”（实际上是别人加封的）。塞尚更进一步推进到“后期印象主义”，秀拉、梵谷、高更、劳特列克等都是历史上着名的代表。他们的作品均带有强烈的个人风格，完全摆脱了传统的束缚，但是仍符合视觉艺术的原理。
十九世纪的资本主义，开始在画布上灌注了金权的色彩。是否符合视觉原理已经不重要，只要能找个理由，证明自己与别人不同，再由商人决定能否唤起大众的注目。只要有钱可赚，便有更大的资金挹注，美术终于成为金库中的珍藏。
“象征主义”出现了；“表现主义”的“野兽派”吓走了艺评家；“抽象派”又赶走了一批美术的死忠；“立体主义”更中饱了一票人，直到二十世纪初，还有人炒作不休；“未来主义”当然要作时空旅行，走向无人理解的未来；“新造形主义”则有脱离现实的“幻想派”；“达达派”就是达达，彻底破坏了形象；“超现实主义”只是名称不同，反正除了生意人，已经没有人搞得清什么是什么了。最后黔驴技穷，什么花样都变不出来了，“欧普艺术”、“普普艺术”、“观念艺术”便替美术念经送终。人们终于发现，不需要美术也能活得好好的！要装饰墙壁，挂幅美女海报更为精采！
商人掌控了专家学者及媒体，成为二十世纪的主流，他们用“美术史”偷天换日，把视觉艺术转移成对“记忆力”的考验。那些不懂或记不清美术史的人，完全无法理解眼睛所看到的是什么！然后就有人过来，摇摇头说：“凭你也配欣赏艺术？”
到了新时代，由于商人的影响力式微，电脑城的美术博物馆内，只陈列十九世纪以前各个大师的作品。那些作品都是以分子复制技术再造、难辨真假的复制品。至于“象征主义”以后的作品，只是在美术史的记述上，略提一笔而已。
显然这个“艺术人世界”是一些追求自由的美术家，一个别出心裁的洞天福地。他们具有人类最原始的感受，想在这个世界留下他们的画迹。只是在前人都已走投无路后，他们还能有多少挥洒的�